Christian Arthaud
Nach zwölf Jahren Tätigkeit in den Museen von Nizza und einundzwanzig Jahren als Kunstlogistiker hat er sich selbstständig gemacht, um Sonderausstellungen zu organisieren, die er allein oder in Zusammenarbeit mit anderen kuratiert.Weitere Interessenschwerpunkte: zeitgenössische Poesie, klassische chinesische Poesie.
Ethik und Ästhetik einer Präzisionskunst
Der Fotorealismus, dessen überwältigender Erfolg Anfang der 1970er Jahre diese Art, die Realität zum ersten Ursprung und letzten Ziel eines Kunstwerks zu machen, weltweit bekannt machte, erfreut sich seither unter dem Oberbegriff Hyperrealismus einer kontrastreichen Behandlung, die von einigen Kunsthistorikern vernachlässigt und von einem Publikum von Liebhabern, die für diese übersteigerte Sicht der Realität empfänglich sind, bewundert wird.
Auf jeden Fall glaubt jeder, diese Kunstrichtung zu kennen, ohne jedoch immer einen Künstlernamen nennen zu können, ohne zu wissen, wie sie sich verbreitet hat oder wen sie genau beeinflusst hat. Wir erkennen ihr gerne eine große historische Bedeutung zu, aber wir würden uns schwer tun, zu wissen, was heute mit ihr geschieht.
Aus diesem Grund erschien uns eine Ausstellung von großem Ausmaß, sowohl aufgrund ihres internationalen und generationenübergreifenden Charakters als auch aufgrund der intrinsischen Qualität der gezeigten Werke, notwendig.
Unsere Zeit ist zweifellos mehr denn je mit Bildern und Kommentaren übersättigt; daher sollte eine solche Ausstellung aufgrund ihrer Fähigkeit, unser Auge zu erfrischen, unser Sehvermögen zu entgiften und uns das unendliche Vergnügen zu versichern, das uns die zehntausend Objekte bereiten, die uns umgeben und unsere Vorstellungskraft nähren, in Betracht gezogen werden.
Entstehung der Hyperrealität
Der Hyperrealismus war ein Meilenstein in der Kunstgeschichte, als Ende der 1960er Jahre in den USA spektakuläre Gemälde ausgestellt wurden, die Szenen aus dem täglichen Leben mit einer Detailgenauigkeit, einer völlig distanzierten Objektivität und einer Farbintensität wiedergaben, die sie für Fotografien halten ließen.
Ein neuer künstlerischer Code entstand, der sich unverschämterweise von expressionistischen Praktiken aller Art abwandte. Zwei Ausstellungen in den USA, « Realism Now » 1968 im Vassar College Art Gallery in Poughkeepsie und « Sharp Focus Realism » 1972 in der Sydney Janis Gallery in New York, kündigten, ohne den Begriff zu prägen, ein Genre an, das später unter den Namen « Hyperrealism » oder « Photo-Realism » zusammengefasst wurde.
Diese Bewegung rund um eine neue Malerei, deren Ziel und Mittel der Realismus ist, wird ohne Manifest, ohne Statement, nur unter der Anrufung eines angenehmen Lockmittels ausgestellt: dem Illusionismus.
Der Hyperrealismus stellt sich frontal gegen den damals vorherrschenden Abstrakten Expressionismus sowie gegen zeitgenössische Bewegungen wie den Minimalismus, die Konzeptkunst, die Land Art und die Arte povera, die als Schauplätze für einen theoretischen Diskurs in voller Blüte standen. Der Hyperrealismus ist in erster Linie eine Bestätigung der Arbeit eines Malers, die von den besten Handwerkern geduldig und bescheiden ausgeführt wird, und das Ergebnis, das ganz von Redlichkeit und Skrupel geprägt ist, spielt zwar mit unserer Leichtgläubigkeit, täuscht aber dennoch niemanden.
Die Ästhetik der Werbung und der Zeitschriften ist ein Pool von Bildern, die den Wunsch auslösen, sich mit ihnen auseinanderzusetzen. Die Glätte der Oberfläche von Dingen, das eisige Aussehen von Dingen, die sofort konsumierbar sind, die kontrastreiche Wirkung des Lichts auf das Relief, das Spiel mit Linien und Kurven, das Eintauchen von Materialien in eine natürliche Umgebung oder von Körpern im Wasser… all diese Aspekte stammen direkt aus der weit verbreiteten Verwendung der Fotografie.
Die Leere der Figuration
Eine Mechanik ist am Werk. Der hyperrealistische Künstler reproduziert, soweit es sein technisches Geschick zulässt, ein aus seinem Kontext gerissenes fotogenes Objekt identisch und macht daraus ein so wenig geschwätziges Bild wie möglich, wobei das Objekt um seiner selbst und seines eigenen bildlichen Wertes willen zu betrachten ist. Er macht jedoch nicht einfach eine Feststellung, sondern enthüllt die Natur des Objekts, die tief in unserem visuellen Gedächtnis vergraben ist.
Indem er demonstrativ auf der Stufe der Erscheinung verbleibt, könnte man ihn ebenso gut der Oberflächlichkeit bezichtigen. Der Künstler ist selbst eine Malmaschine; er bleibt dem Gegenstand seiner Malerei gegenüber gleichgültig und bedient sich technischer Mittel, die geeignet sind, ihn zu distanzieren. Er hat eine Reihe von mechanischen Reproduktionsmethoden entwickelt, die es ihm ermöglichen, die Realität auf eine Weise einzufangen, die ihre Allmacht verherrlicht, ohne die Komposition zu verbieten oder ein Thema zu heiligen. Die so entstandene Bildsprache scheint das unbeeindruckte Ergebnis eines vorgegebenen Verfahrens zu sein, das der Realität gegenüber unparteiisch und seinem Urheber gegenüber kompromisslos ist.
Man kann sich vorstellen, dass die Wahl des Themas sich dem Autor aufgedrängt hat, dass die grafische Gestaltung des gewählten Stücks Realität ausschlaggebend ist, dass die visuelle Qualität des Motivs der Hauptauslöser für die Realisierung der Komposition war: ein Werk aus praktisch nichts, praktisch allem zu machen. Ein Gras, ein Himmel, ein Stoff, ein Glas, eine Lippe, ein Fingernagel, ein Buchstabe, ein Blatt eines Baumes, eine Straße, ein Ort, eine Menschenmenge, ein Wald, eine Bibliothek, ein Körper, Körper….. Man tritt in die Materie ein, man ist darin.
Das Staunen über die Gegenstände unseres Alltags, denen wir in der Regel keine ästhetische Aufmerksamkeit schenken, kristallisiert sich besonders an der Maschine heraus, die der Träger der Moderne schlechthin ist: Die Werke nehmen ohne satirische Absicht oder soziologischen Kommentar die offensichtlichen Zeichen der modernen Welt zum Vorbild: die Stadt, die Fabrik, das Flugzeug, das Auto, das Motorrad. Der Genuss, mit dem wir diese Werke betrachten, wirft uns in eine Welt ohne Geschichte, ohne Konflikte, ohne Elend, einen Sommer voller Ablenkungen und einen immerwährenden Urlaub für die Neuronen: Ist der Hyperrealismus eine Kunst am Meer?
Die Durchquerung der Erscheinungen
Das Falsche ist authentisch falsch. Der Hyperrealismus vermittelt die unmittelbare Illusion einer absoluten, absolut behaupteten Neutralität, um das von der Epoche getrübte Auge zu beleben und zu verjüngen, es zu einer kalten Wahrnehmung der Dinge zurückzuführen.
Keine Rücksicht auf das Gefühl, die Emotion, die Innerlichkeit, das Geheimnis oder das Mysterium. Alles ist vor uns da und wird es auch bleiben. Es gibt nichts anderes, weder dahinter noch davor. Es gab nichts anderes vorher; es wird auch nichts anderes nachher geben. Die Zeit existiert nicht. Den Raum gibt es auch nicht. Formen und Farben, Materialien und Perspektiven, Bildausschnitte werden der Netzhaut bewusst aufgezwungen.
Wie entwickelt sich eine Bewegung, deren Kraft sich blitzartig in einer Zeit manifestierte, in der die Gesellschaft Gegenstand scharfer Kritik war und die Kunst sich mit dem Begriff des Bildes oder der Figur an sich auseinandersetzte? Der Hyperrealismus setzte die Macht des fotografischen Bildes durch; seine Künstler hielten mehr oder weniger an den bewährten, ja sogar akademischen Mitteln fest, die durch die konventionelle Nachahmung der äußeren Realität fehlgeleitet worden waren. Die Welt des Scheins erneuert sich, die Fata Morgana vollzieht sich jeden Augenblick vor unseren Augen, und es spielt keine Rolle, ob es sich dabei um eine Täuschung handelt: Der Künstler, der von seinem Glauben getäuscht wurde, wird auch den Betrachter täuschen. Ist er deshalb ein perfiderer Betrüger als die romantischen, surrealistischen, metaphysischen und realistischen Maler?
Die Realität ist ein ständiges Theater, in dem die Zauberer vielleicht nicht die sind, für die man sie hält. Hier zeigt sich das Bild in einer absoluten Gewissheit, die seiner Nichtigkeit gerecht wird.
Sie sind weder Autoren unterschwelliger Botschaften noch kandidierte Handwerker, sondern versuchen zu zeigen, dass eine Kunst eine Vision bieten kann, die in einer Art Niemandsland bleibt, ohne benennbares Projekt, ohne nachweisbare Absicht, und den Betrachter in der im Ungewissen lässt, wie er es vor jeder Realität ist.
Die Welt braucht unseren Blick nicht, um zu existieren. Das sollten wir wissen. Die hyperrealistische Bewegung wiederholt dies auf ihre eigene Art und Weise, die uns eiskalt erwischen kann, weil sie so abwesend von Sentimentalität ist. Wie weit kann eine Geste gehen, die von keiner Idee geleitet wird? Die Realität zu durchdringen, wird eine schöne Schimäre bleiben.
Der amerikanische Traum: die Eroberung des Realen
Der frühe Hyperrealismus ist eindeutig amerikanisch; er reaktiviert die alte Faszination für naturgetreue Darstellungen des Landes, der Natur wie auch der Artefakte, bis hin zum Trompe-l'oeil. Er setzt also eine Art Rückkehr zur Ordnung voraus, die das Können und die Geduld des Künstlers in den Vordergrund stellt.
Es ist ein wenig so, als würde die US-amerikanische Nation darum bitten, wortwörtlich beschrieben zu werden, in ihrer herrschaftlichen Selbstverständlichkeit und Monumentalität, politisch wie künstlerisch.
Die Frage ist, ob all dies Teil seines allgegenwärtigen Entertainments oder dessen sanfter Widerspruch ist. Das Kunstgenre ist bekanntlich äußerst anspruchsvoll. Wie Bernard Lamarche-Vadel betonte: « Der hyperrealistische Maler ist der minutiöse Pantograph einer Oberfläche, die er nachbildet. » Das Atelier ist der Tag- und Nachtaufenthalt von monströs beispielhaften Künstlern, die sich kaum äußern, kaum Interviews geben und nur selten in Zeitungen schreiben. Sie machen, sie produzieren langsam und meiden unangemessene Aufforderungen. Sie erheben keinen Anspruch auf Genialität. Sie pflegen kein übergroßes Ego. Kurzum, die Gesellschaft des Spektakels findet paradoxerweise in ihren Werken nicht den merkantilen Spiegel, den uns die Pop-Art vorhielt.
Der hyperrealistische Künstler ist in gewisser Weise ein Gegenheld: Er verherrlicht eine Technik, die er bis zur Perfektion beherrscht, wird aber wegen interpretatorischer Unzulänglichkeit deklassiert. Da der Hyperrealismus den Status des Künstlers auf den eines Handwerkers reduziert und sich mit Themen beschäftigt, die oft von großer Banalität sind, konnte er nicht umhin, von den Anhängern einer Kunst abgelehnt zu werden, die die symbolische Macht des Künstlers über seine Zeitgenossen als absoluter Demiurg ständig erneuern muss, einer Kunst, die die Ausnahme kultiviert, den Skandal heraufbeschwört und uns auffordert, unsere Unfähigkeit zu hinterfragen, zu verstehen, was wir sind.
Der Hyperrealismus konnte daher unter der falschen Vorstellung leiden, er sei philosophisch uninteressant, nur eitle Virtuosität und vollkommen grundlos. Die methodische Ausübung der Malerei und die Hartnäckigkeit, die Realität im Saft der Zeit wiederzugeben, isolierten diese Künstler, auch wenn die meisten von ihnen bemerkenswerte kommerzielle Erfolge erzielten.
Eine seltsame Werteskala
Die hyperrealistischen Künstler haben sich ziemlich schnell, jeder nach seinem eigenen Werdegang, freiwillig dazu verpflichtet, nur eine Art von Werken nach ihrer eigenen Methodik darzustellen. Diese Singularisierung wurde zum Markenzeichen des Genres, das von der Bewunderung des Publikums für seine außergewöhnliche Technik getragen und durch immer neue erstaunliche Werke erneuert wird, die den Begriff der makellosen Ähnlichkeit ohne jede Verstellung verherrlichen. Es mag jedoch den Anschein gehabt haben, dass diese fabelhafte Virtuosität nur eine alles in allem recht primitive Art und Weise war, die Sinnlosigkeit einer solchen Arbeit zu verbergen, wie anstrengend sie auch sein mag.
Das Fehlen jeglicher Rechtfertigung, sei sie künstlerischer, sozialer oder philosophischer Art, ließ manche sagen, dass es für diese Künstler, die sich in der willkürlichen Auswahl von Themen und der kindlichen Freude an der Leistung, besser als alle anderen zu malen, suhlen, keine Zukunft gebe. Nach der erwarteten Zeit der Faszination für die Technik, die die aufgeklärten Liebhaber vertrieben hat, ist es bemerkenswert, dass heute überall auf der Welt die Qualität der sogenannten hyperrealistischen Werke dank neuer Techniken und neuer Künstlergenerationen wieder den Blick auf sich zieht, nicht ohne Sorge um eine Welt, die vor unseren Augen stirbt, aber auch nicht ohne Eifer für diesen freien Akt, der wahrscheinlich nicht unwesentlich zu unserer Rettung beitragen wird: der Realität ins Gesicht zu sehen.
Wir sind also aufgefordert, nach der tieferen Bedeutung einer Welt zu suchen, die so kühl beobachtet wird, wie es die klinischen Befunde formulieren, ohne den einen oder anderen Aspekt zu bevorzugen: Was verbirgt sich hinter der bunten Verkleidung der Realität? Was wollen wir hinter unserer Vorliebe für den Glanz der Dinge um uns herum verbergen? Wo liegt unsere Menschlichkeit? Wenn es zu einer ästhetischen Erregung kommt, wird diese nie an ein Schluchzen grenzen, sondern eher an einen Energieschub, um selbst nachzusehen. Der hyperrealistische Künstler kehrt zur Staffeleimalerei zurück und stellt die konventionellen Techniken und die Lehre der Meister wieder her. Die nichtigsten Themen werden mit der größten Raffinesse versehen, das ist die seltsame Werteskala.
Bilder, die echter sind als das Leben
Der Hyperrealismus ist bestrebt, das, was in der realen Welt wahrnehmbar ist, genau wiederzugeben, sei es durch die Verwendung von auf die Leinwand projizierten Fotografien, durch das Verfahren des Malen-nach-Zahlen, durch Airbrush-Malerei oder heutzutage durch den Einsatz digitaler Technologien.
Auf den ersten Blick glaubt man, dass es sich um riesige Fotografien handelt. Dann versteht man, dass es sich um Gemälde handelt. Dann fragt man sich: Warum so viel Aufwand? Es muss einen Grund dafür geben, eine solche Menge an Arbeit zu entwickeln. Die Banalität des Lebens, die Accessoires unseres Lebensstils, die Straßen, die Ladenfronten – all das sind Vorwände, um mit dem ungerührtesten aller Realismen zu malen, als ob die Realität (eine Realität, die hier neu gemacht wird) uns allein schockieren müsste.
Die Illusionsfalle hinterlässt einen bitteren Beigeschmack, denn wir werden von dem Gedanken geplagt, dass wir die Bilder der Wirklichkeit für die Wirklichkeit selbst halten. Zeigen muss ausreichen, um alles zu sagen. Die Qualität des Kunstwerks muss durch die höchste Auflösung des Bildes durchscheinen. Texturen, Striche und Schatten scheinen durch die eigene Arbeit des Künstlers erhellt und schärfer als in der Aufnahme, die ihm als Ausgangspunkt oder Vorlage diente. Was man vor einem hyperrealistischen Werk sieht, würde man nirgendwo anders sehen, nicht einmal in der Realität. Kurz gesagt: Wahrheit hoch zehn!
Der Hyperrealismus scheint eine zügellose Suche nach dem Schein zu sein, deren Ziel es ist, eine tief sitzende Angst zu verdrängen: Wo liegt die Wahrheit? Der hyperrealistische Künstler präsentiert sich als Zauberer der Realität, der zu unserem Glück Fälschungen herstellt und Zaubertricks vollführt. Er malt eine Realität, die dadurch zur Fiktion wird.
Leuchtende Magie
Die Kunstfertigkeit hyperrealistischer Künstler ist ein Höhepunkt in der Kunstgeschichte, aber sie kann auch ein Stolperstein sein. Da die Rechnung Vorrang vor allen anderen Überlegungen hat, besteht die Gefahr in der Selbstgefälligkeit bei der Ausführung des Kunststücks und der daraus resultierenden Selbstzufriedenheit.
Der Künstler wird dann von seinen eigenen Fähigkeiten, die Realität wiederzugeben, hypnotisiert und kann in anekdotische Figuration und selbstgenügsame Bilder abrutschen. Dann öffnet sich eine neue Welt, die die Welt der Magie und des Illusionismus ist und nicht mehr die auf ihre Weise rigorose Welt des extremen Realismus, der bis zu seiner Bedeutungslosigkeit getrieben wird.
Ist Ihnen das Reale nicht genug? Vielleicht ist sie nicht menschlich genug? Es geht in der hyperrealistischen Kunst also hauptsächlich um Verblendung. Die Herstellung von Einzelstücken, die Kopien von Fotografien sind, ist ein anti-künstlerischer Akt, der uns dazu anregen sollte, die Reproduzierbarkeit von Bildern wie auch die einzigartige Qualität eines Kunstwerks zu hinterfragen. Ist das Duplizieren von etwas, das bereits im allgemeinen visuellen Feld existiert hat, eine Kreation? Ist das Erschaffen eines persönlichen, völlig phantasievollen Werks nicht das Kopieren eines bereits existierenden Gemütszustands? Ein Trompe-l'oeil ist nicht neutral.
Qu’en est-il de la crédibilité de l’image ? Pourquoi doubler la réalité d’oeuvres à son image ? Qu’est-ce je reconnais dans une peinture hyperréaliste ? En fait, rien, puisque je vois pour la première fois. L’oeuvre me renvoie à la nécessité de me dévaloriser, sans quoi les élaborations conceptuelles parasitent ma vue et orientent mes pensées.
Es ist das Reale, dass Sexappeal hat
Der Hyperrealismus hat sich einige Codes des Werbebildes angeeignet, seinen Pragmatismus, um zu verkaufen, die Richtigkeit seiner Aussage; er hat den konsumistischen Aspekt, den kommerziellen Umstand entfernt, um die nackte Schönheit der Dinge zum Vorschein kommen zu lassen. Ja, es ist die Realität, die Sex-Appeal hat, und noch mehr diese meisterhafte Art, sie hervorzuheben.
Ein hyperrealistisches Gemälde weckt in uns den Wunsch, es zu berühren; es weckt das visuelle Verlangen. Es fordert uns auf, mit der Realität in einem neuen Beziehungsmodus zu leben. Diese Null-Ebene der Interpretation hat das Ziel einer totalen Klarsicht und einer Befreiung unserer Wahrnehmungsfähigkeiten.
Wie eine Konsumgesellschaft, die sich in allgemeiner Verführung suhlt, nimmt die hyperrealistische Thematik die Dienste einer gewissen Sehhygiene in Anspruch: Glanz, Sauberkeit, Klarheit, Offenheit, Klarheit, Reinheit … alles scheint aus einer Auslage zu stammen, die unser Interesse wecken kann, alles scheint zum Verkauf ausgestellt zu sein. Aber wovon sind die Gegenstände die passiven Förderer: von einer unermesslichen Leere, von einem toten Gedanken?
Keine Luft, kein vermittelnder Raum, keine Atmung. Das Bild hat ein Vakuum. Es bildet eine Masse im Geist des Betrachters. Er kann sich nicht davon lösen.
Die Aufmerksamkeit, auch wenn sie maximal ist, macht uns zu Voyeuren, die nicht wissen, worauf sie ihren Blick richten sollen. Die Indiskretion, die den Objekten entgegengebracht wird, beruhigt uns, dass selbst in der Leere noch etwas ist. Inwiefern übertrifft die Malerei die Fotografie?
Indem sie die Wahrheit auf unbestimmte Zeit herstellt? Hier geht der Realismus von einem konkreten Objekt aus, das sich gegen unsere Netzhaut drückt, und seine Erscheinung wird immer der beste Trumpf einer Kunst sein, die die Dinge an ihren Platz zu stellen scheint, nämlich an den ersten.
Aktualität des Hyperrealismus
Seit etwa fünfzig Jahren ist die Popularität ungebrochen: Das Publikum verjüngt sich von Generation zu Generation und wächst so weit, dass es zahlreiche Websites für den Verkauf von Kunstwerken im Internet füttert. Diese als triumphal zu bezeichnende Rezeption ist vor dem Hintergrund der Gleichgültigkeit vieler Kunstkritiker zu sehen.
Zwar haben alle großen Museen früher oder später eine Ausstellung über die hyperrealistische Bewegung in ihrem historischen, ursprünglichen Charakter angeboten, aber keines hat es gewagt, die hyperrealistische Produktion in ihrer vollen Aktualität zu beleuchten, da ihre vermeintliche konzeptuelle Schwäche den Kuratoren so große Probleme bereitet. Außer, dass wichtige Ausstellungen in den letzten vier Jahren ein neues Interesse am Hyperrealismus bekundet haben:
Im Jahr 2013: Hiperrealismo, 1967-2012, im Museo Thyssen Bornemisza in Madrid ;
Photorealism revisited, im Oklahoma city Museum of arts; Ron Mueck in der Fondation Cartier pour l'art contemporain in Paris ;
2015: Der sowjetische Hyperrealismus in der Tretjakow-Galerie in Moskau; Der amerikanische Hyperrealismus im Musée d'Ixelles; Richard Estes, Peindre New York im Museum of Arts and Design in New York. Im Jahr 2016: Hyperrealistische Skulptur, 1973-2016, im Museum der Schönen Künste in Bilbao; Fotorealismus: 50 Jahre hyperrealistische Malerei noch im Museum von Ixelles; Duane Hanson im Neuen Nationalmuseum in Monaco.
Einige Galerien setzen sich heute besonders für die hyperrealistische Kunst ein: Bernarducci – Meisel in New York oder Plus One in London.
Eine Ausstellung, ein Katalog
Wenn man versucht, die Entwicklung der hyperrealistischen Kunst in den letzten 50 Jahren zu verfolgen, stellt man schnell fest, dass die Art und Weise, wie die Realität auf die Spitze getrieben wird, von Generation zu Generation variiert, und dass es daher sehr wohl verschiedene Arten gibt, neutral zu sein, objektiv zu sein, einen unverzerrten Spiegel darzustellen.
Als ob die Geschichte ihre eigene Grammatik generiert, um die Dinge zu sagen und sie sichtbar zu machen. Es ist zweifellos eine Einschränkung des hyperrealistischen Projekts, dass es auf diese Weise seine eigene Chronologie hat, die man sich als diese intime Beziehung zum Universum des Sichtbaren universell und zeitlos vorgestellt hat.
Das Licht entwickelt sich unweigerlich weiter, ebenso wie die Art und Weise, wie man es umsetzt. Wir wünschen uns, dass diese Ausstellung uns hilft, klarer zu sehen! Übrigens taucht eine Frage auf: Zerstört man ein hyperrealistisches Werk, wenn man es fotografiert? Was bleibt in dem Werk von der Überschreitung der Realität durch die malerische Materie übrig? Wie kann ein einfaches Informationsdokument dem Werk ähneln, wenn es dieses doch verleugnet?
Ein Ausstellungskatalog erreicht kaum sein Thema, denn wenn man ein Gemälde oder eine Skulptur fotografiert, widerlegt man das hyperrealistische Werk als solches. Welcher Zeuge lügt nicht? Daher müssen wir Lösungen in Betracht ziehen, die die Feinheit der Reproduktion betonen.
Der Hyperrealismus hat sich dank der Globalisierung des Kunstmarkts, des immer schnelleren und umfassenderen Zugangs zu Informationen und der weit verbreiteten Nutzung von Computern gehalten, ist um neue Werke reicher geworden, hat sich diversifiziert und sogar universalisiert. Diese Bewegung, die einen Moment lang historisch lokalisiert war, ist heute durch ihre Nachfolger, ob als solche deklariert oder nicht, eine eigenständige Kunstgattung, die überall blüht und jeden Tag neue Fans gewinnt.
Link zum Originaltext: https://www.hypart.eu/mouvement-hyperrealiste-dl/
Christian Arthaud
Après douze années d'activités dans les musées de Nice et vingt et une années de logistique des oeuvres d'art il s'est lancé à son compte pour proposer des expositions temporaires dont il assurera, seul ou en association, le commissariat.
Autres centres d'intérêt : la poésie contemporaine, la poésie chinoise classique.
HYPERRÉALISME
UN MOUVEMENT PLANÉTAIRE
Éthique et esthétique d’un art de précision
Le photoréalisme, dont le succès foudroyant au début des années 1970 a fait connaître universellement cette manière de faire du réel l’origine première et le but ultime d’une oeuvre d’art, bénéficie depuis lors, sous le terme général d'hyperréalisme, d’un traitement contrasté, à la fois négligé par certains historiens de l’art et admiré par un public d’amateurs sensibles à cette vision exacerbée de la réalité.
En tous cas tout le monde croit connaître ce mouvement artistique, cependant sans pouvoir toujours citer un nom d’artiste, sans savoir comment il s’est propagé ni exactement qui il influença. Nous lui reconnaissons volontiers une importance historique majeure, mais nous serions en peine de savoir ce qu’il en advient aujourd’hui.
C’est la raison pour laquelle une exposition de grande ampleur, à la fois par son caractère international et intergénérationnel et par la qualité intrinsèque des oeuvres qu’elle présente, nous semblait nécessaire.
Notre époque est sans nul doute plus que jamais saturée d’images et de commentaires ; aussi une telle exposition doit- elle être envisagée pour sa capacité à nous rafraîchir l’oeil, à nous désintoxiquer la vue, nous assurant du plaisir infini que procurent les dix mille objets qui nous entourent et qui nourrissent notre imaginaire.
Naissance de l’hyper réalité
L’Hyperréalisme fut un événement marquant de l’histoire de l’art lorsqu’à la fin des années 1960 des peintures spectaculaires furent exposées aux Etats-Unis reproduisant des scènes de la vie quotidienne avec un soin du détail, une objectivité tout à fait distanciée et une intensité colorée qui les firent prendre pour des photographies.
Un nouveau code artistique naissait, délaissant de façon outrageuse les pratiques expressionnistes en tout genre. Deux expositions aux USA, « Realism Now », en 1968 à la Vassar College Art Gallery de Poughkeepsie et « Sharp Focus Realism » en 1972 à la Sydney Janis Gallery de New York, annoncent, sans créer le terme, un genre qu’on regroupera ensuite sous les noms d’ « Hyperrealism » ou de « Photo-Realism ».
Ce mouvement autour d’une nouvelle peinture dont le réalisme serait, et le but et le moyen, s’expose sans manifeste, sans statement, seulement sous l’invocation d’un appel d’air plaisant : l’illusionnisme.
L’hyperréalisme s’oppose frontalement à l’Expressionnisme abstrait qui dominait à cette époque, tout comme aux mouvements qui lui sont contemporains comme le Minimalisme, l’Art conceptuel, le Land Art, l’Arte povera, théâtres d’opérations pour un discours théorique en pleine effervescence. L’Hyperréalisme est en premier lieu l’affirmation d’un travail de peintre, accompli par le meilleur des artisans, patiemment, humblement, et le résultat, tout de probité et de scrupule, s’il se joue de notre crédulité, ne trompe néanmoins personne.
L’esthétique propre à la publicité et aux magazines est un vivier d’images propre à déclencher le désir de s’y confronter. Le lissé de la surface des choses, l’aspect glacé de ce qui semble immédiatement consommable, l’effet contrasté de la lumière sur le relief, le jeu des lignes et des courbes, l’immersion des matériaux manufacturés dans un environnement naturel ou celui des corps dans l’eau… tous ces aspects proviennent directement de l’usage généralisé de la photographie.
La vacance de la figuration
Une mécanique est à l’oeuvre. L'artiste hyperréaliste reproduit à l'identique, autant que son habileté technique le permet, un objet photogénique sorti de son contexte et en fait une image aussi peu bavarde que possible, l’objet étant à regarder pour lui-même et pour sa valeur picturale propre. Mais il ne fait pas un simple constat ; il révèle la nature de l’objet, profondément enfouie dans notre mémoire visuelle.
En restant ostensiblement au stade de l’apparence, on peut aussi bien le taxer de superficialité. L’artiste est lui-même une machine à peindre ; il demeure indifférent à l’objet de sa peinture et use de moyens techniques propices à le distancier. Il aura mis sur pied une série de modes de reproduction mécaniques qui lui permettront de capturer la réalité de manière à en magnifier la toute-puissance, sans interdit quant à la composition ni sans jamais sacraliser aucun thème. Le langage pictural ainsi produit semble le résultat impassible d’un procédé préétabli, impartial vis-à-vis de la réalité et intransigeant vis-à-vis de son auteur.
On imaginera que le choix du sujet s’est imposé à l’auteur, que le graphisme du morceau de réalité choisi sera déterminant, que la qualité visuelle du motif aura été le principal déclencheur à la réalisation de la composition : faire oeuvre avec pratiquement rien, pratiquement tout. Une herbe, un ciel, un tissu, un verre, une lèvre, un ongle, une lettre, une feuille d’arbre, une rue, un site, une foule, une forêt, une bibliothèque, un corps, des corps…. On entre en matière, on est dedans.
L’émerveillement pour les objets de notre quotidienneté, auxquels généralement nous ne prêtons pas attention sur un plan esthétique se cristallise particulièrement sur la machine qui est le vecteur de la modernité par excellence : les oeuvres prennent pour modèle, sans propos satirique ni commentaire sociologique, les signes patents du monde moderne : la ville, l’usine, l’avion, l’automobile, la moto. La gourmandise avec laquelle nous regardons ces oeuvres nous projette vers un monde sans histoire, sans conflit, sans misère, un été de distractions et une vacance perpétuelle pour les neurones : l’Hyperréalisme serait-il un art balnéaire ?
La traversée des apparences
Le faux est authentiquement faux. L’hyperréalisme procure l’immédiate illusion d’une neutralité absolue, absolument revendiquée, pour raviver et rajeunir l’oeil terni par l’époque, le ramener à une perception froide des choses.
Aucun égard pour le ressenti, ni pour l’émotion, ni pour l’intériorité, ni pour le secret, ni pour le mystère. Tout est là devant nous, et le restera. Il n’y a rien d’autre, ni derrière, ni devant. Il n’y a rien eu d’autre avant ; il n’y aura rien d’autre après. Le temps n’existe pas. L’espace non plus. Les formes et les couleurs, les matières et les perspectives, les cadrages sont délibérément imposés à la rétine.
Comment évolue un mouvement dont la force s’est manifestée en un éclair à un moment où la société était l’objet de critiques acerbes et où l’art avait maille à partir avec la notion même d’image ou de figure ? L’Hyperréalisme impose la puissance de l’image photographique ; ses artistes demeurent peu ou prou attachés aux moyens éprouvés, voire académiques, qui avaient été dévoyés par l’imitation convenue de la réalité extérieure. Le monde des apparences se renouvèle alors, le mirage s’accomplit chaque instant sous nos yeux, qu’importe qu’il s’agisse d’une duperie : l’artiste abusé par ses croyances abusera le spectateur à son tour. Est-il pour autant un escamoteur plus perfide que les peintres romantiques, surréalistes, métaphysiques, réalistes ?
La réalité est un théâtre permanent où les prestidigitateurs ne sont peut-être pas ceux que l’on croit. Ici l’image se montre dans une absolue certitude, à la hauteur de son inanité.
Ni auteurs de messages subliminaux ni artisans candides, ils tentent de démontrer qu’un art peut proposer une vision qui reste dans une sorte de no man’s land, sans projet désignable, sans dessein avéré, laissant le spectateur dans l’incertitude, comme il l’est devant toute réalité. Le monde n’a pas besoin de notre regard pour exister. Sachons-le. Le mouvement hyperréaliste le répète à sa façon, qui peut nous glacer, tant le sentimentalisme en est absent. Jusqu’où peut aller un geste qui ne serait guidé par aucune idée ? Traverser la réalité restera une belle chimère.
Le rêve américain : partir à la conquète du réel
L'Hyperréalisme des débuts est clairement américain ; il réactive le vieil attrait pour les représentations fidèles du pays, de la nature comme des artefacts, jusqu’au trompe-l’oeil. Il présuppose donc une sorte de retour à l’ordre, mettant à l’honneur le savoir-faire et la patience de l’artiste. C’est un peu comme si la nation étasunienne demandait à être décrite de manière littérale, dans son évidence dominatrice et sa monumentalité, politique comme artistique.
La question est de savoir si tout cela participe de son Entertainment omniprésent ou s’il en est la contestation douce. Le genre artistique est comme on sait extrêmement exigeant. Comme insistait Bernard Lamarche-Vadel « le peintre hyperréaliste est le pantographe minutieux d’une surface qu’il réplique. » L’atelier est le séjour, diurne et nocturne, d’artistes monstrueusement exemplaires, qui s’expriment peu, ne donnent pas souvent d’interviews, n’écrivent que rarement dans les journaux. Ils font, ils produisent lentement, et évitent les sollicitations inappropriées. Ils ne prétendent aucunement au génie. Ils ne cultivent pas un égo surdimensionné. Bref, la société du spectacle, paradoxalement, ne trouve pas dans leurs oeuvres le miroir mercantile que le Pop art nous tendait.
L’artiste hyperréaliste est un contre-héros, en quelque sorte : glorifiant une technique qu’il maîtrise à la perfection, il se retrouve déclassé au motif d’insuffisance interprétative. En minorant le statut de l’artiste à celui d’artisan, et en s’attachant à des sujets souvent d’une grande banalité, l’hyperréalisme ne pouvait pas ne pas être rejeté par les tenants d’un art qui se doit de renouveler sans cesse le pouvoir symbolique de l’artiste sur ses contemporains en tant que démiurge absolu, un art qui cultive l’exception, appelle le scandale, nous sommant de nous interroger sur notre incapacité à comprendre ce que nous sommes.
L’Hyperréalisme a donc pu souffrir de l’idée fausse qu’il ne présentait aucun intérêt philosophique, que ce n’était que virtuosité vaine et parfaitement gratuite. L’exercice méthodique de la peinture et l’obstination à rendre la réalité dans son jus de l’époque ont isolé ces artistes, même si la plupart ont recueilli un remarquable succès commercial.
Une étrange échelle des valeurs
Les artistes hyperréalistes se sont assez rapidement, chacun selon son propre parcours, volontairement astreints à ne représenter qu’un type d’oeuvres selon leur propre méthodologie. Cette singularisation est devenue la signature du genre, supporté par l’admiration du public pour une technicité extraordinaire, et renouvelé par des oeuvres toujours étonnantes qui magnifient sans aucune feinte la notion de ressemblance irréprochable. Mais il a pu sembler que cette fabuleuse virtuosité n’était qu’une manière somme toute assez primaire de dissimuler l’inanité d’un tel travail, aussi harassant soit-il.
L’absence de justification, qu’elle soit artistique, sociale, philosophique, a fait dire à certains qu’il n’y avait pas d’avenir pour ces artistes qui se complaisent dans le choix arbitraire de sujets et dans le plaisir enfantin de réussir l’exploit de peindre mieux que quiconque. Après la période attendue de fascination pour la technique qui a éloigné les amateurs éclairés, il est notable que partout dans le monde aujourd’hui la qualité des oeuvres dites hyperréalistes, à la faveur de nouvelles techniques et de nouvelles générations d’artistes, attire à nouveau le regard, non sans inquiétude vis-à-vis d’un monde qui meurt sous nos yeux, mais non sans ferveur pour cet acte gratuit qui ne sera sans doute pas étranger à notre salut : voir la réalité en face.
Aussi sommes-nous enjoints de chercher la signification profonde d’un monde observé froidement tel que le constat clinique le formule et sans privilégier un aspect ou un autre : derrière le déguisement chamarré de la réalité, que se cache-t-il ? Sous notre propension à aimer l’allure clinquante de ce qui nous entoure, que voulons-nous masquer ? Où se situe donc notre humanité ? S’il naît un émoi esthétique, il ne confinera jamais au sanglot mais plutôt au surcroît d’énergie pour aller y voir par soi-même. L’artiste hyperréaliste, en revenant à la peinture de chevalet, restaure les techniques conventionnelles et l’enseignement des maîtres. Aux sujets les plus futiles est dévolue la sophistication la plus grande ; telle est ici l’étrange échelle des valeurs.
Des images plus vraies que nature
L’Hyperréalisme, par son souci de rendre avec exactitude ce qui est perceptible du monde réel, que ce soit par l’utilisation de la photographie projetée sur la toile, par le procédé de la mise-au-carreau, par la peinture à l’aérographe, de nos jours par l’apport des technologies numériques, affiche en premier lieu une technique, puis salue le silence des choses.
Au premier regard, on croit à de gigantesques photographies. Puis on comprend qu’il s’agit de peintures. On se demande alors : pourquoi tant d’efforts ? Il doit y avoir une raison pour développer une telle quantité de travail. La banalité de la vie, les accessoires de notre mode de vie, les rues, les devantures de magasins, sont autant de prétextes à peindre avec le plus impassible des réalismes, comme si la réalité (une réalité ici refaite) devait seule nous choquer.
Le piège de l’illusion nous laisse un goût amer, car nous sommes assaillis par l’idée que nous prenons les images de la réalité pour la réalité elle-même.
Montrer doit suffire à tout dire. La qualité de l’oeuvre doit transparaître par la plus haute résolution de l’image. Les textures, les traits et les ombres semblent éclairées par le travail-même de l’artiste et plus nettes que dans le cliché qui lui servait de point de départ, ou de modèle. Ce qu’on voit devant une oeuvre hyperréaliste, on ne le verrait pas ailleurs, pas même dans la réalité. Bref, la vérité puissance dix !
L’Hyperréalisme semble bien une quête effrénée de l’apparence dont le but est de refouler une angoisse profonde : où se situe la vérité ? L’artiste hyperréaliste se présente en magicien de la réalité, fabricant des contrefaçons et réalisant des tours de passe-passe pour notre seul bonheur. Il peint une réalité qui devient dès lors une fiction.
La magie lumineuse
Le savoir-faire des artistes hyperréalistes est un sommet dans l’histoire de l’art, mais il peut être aussi un écueil. La facture prenant le pas sur toute autre considération, le risque tient dans la complaisance pour l’exécution de la prouesse et l’autosatisfaction qui en découle.
L’artiste est alors hypnotisé par ses propres capacités à restituer le réel et peut sombrer dans la figuration anecdotique et l’image auto-suffisante. Un nouveau monde s’ouvre alors, qui est celui de la magie et de l’illusionnisme et non plus celui, rigoriste à sa manière, du réalisme extrême poussé jusqu’à son absence de signification.
Le réel ne vous suffit pas ? Peut-être n’est-il pas assez humain ? Donc il est question dans l’art hyperréaliste essentiellement d’aveuglement. Produire des pièces uniques qui sont des copies de photographies est un acte antiartistique qui doit nous inciter à nous interroger sur la reproductibilité des images comme sur la qualité singulière d’un oeuvre d’art. Dupliquer quelque chose qui a déjà existé dans le champ visuel commun est-ce créer ? Créer une oeuvre personnelle totalement imaginative n’estce pas copier un état d’âme préexistant ? Un trompe-l’oeil n’est pas neutre.
Qu’en est-il de la crédibilité de l’image ? Pourquoi doubler la réalité d’oeuvres à son image ? Qu’est-ce je reconnais dans une peinture hyperréaliste ? En fait, rien, puisque je vois pour la première fois. L’oeuvre me renvoie à la nécessité de me dévaloriser, sans quoi les élaborations conceptuelles parasitent ma vue et orientent mes pensées.
C’est le réel qui a du sex-appeal
L’Hyperréalisme s’est accaparé certains codes de l’image publicitaire, son pragmatisme pour vendre, la justesse de son propos ; il en a retiré l’aspect consumériste, la circonstance marchande pour laisser apparaître la beauté nue des choses. Oui, c’est le réel qui a du sex-appeal, et plus encore cette manière magistrale de le mettre en évidence.
Un tableau hyperréaliste nous donne envie de le toucher ; il fait naître le désir visuel. Ilnous engage à vivre avec la réalité selon un nouveau mode relationnel. Ce niveau zéro de l’interprétation porte en lui l’ambition d’une clairvoyance totale et d’une libération de nos capacités perceptives.
A l’instar d’une société de consommation qui se vautre dans la séduction généralisée, la thématique hyperréaliste s’adjoint les services d’une certaine hygiène de la vue : brillance, propreté, netteté, franchise, clarté, pureté… tout semble provenir d’un étalage susceptible de capter notre intérêt, tout semble exposé à la vente. Mais de quoi les objets sont-ils les promoteurs passifs : d’un vide incommensurable, d’une pensée morte ?
Pas d’air, pas d’espace médiateur, pas de respiration. L’image est sous vide. Elle fait masse dans l’esprit de celui qui regarde. Il ne peut s’en détacher.
L’attention, bien que maximale, nous convertit en voyeurs ne sachant plus sur quoi porter notre regard. L’indiscrétion faite aux objets nous rassure sur le fait que même dans le vide il y a encore quelque chose. En quoi la peinture dépasserait-t-elle la photographie ?
En fabriquant indéfiniment la vérité ? Ici le réalisme émane d’un sujet concret qui se plaque contre notre rétine, et son apparence sera toujours le meilleur atout d’un art qui semble remettre les choses à leur place, à savoir la première.
Actualité de l’hyperréalisme
Depuis une cinquantaine d’années, la popularité ne se dément pas : le public rajeunit de génération en génération et s’agrandit jusqu’à nourrir quantité de sites de vente d’oeuvres sur internet. Cette réception que l’on peut qualifier de triomphale est à placer à l’aune de l’indifférence de nombre de critiques d’art.
Certes, les grands musées ont tous proposé, tôt ou tard, une exposition sur le mouvement hyperréaliste dans son caractère historique, initial, mais aucun ne s’est risqué à mettre en lumière la production hyperréaliste dans sa pleine actualité, tant sa supposée faiblesse conceptuelle pose problème aux conservateurs. Sauf que d’importantes expositions ont manifesté un regain d’intérêt pour l’Hyperréalisme ces quatre dernières années :
En 2013, Hiperrealismo, 1967-2012, au Museo Thyssen Bornemisza de Madrid ;
Photorealism revisited, à l’Oklahoma city Museum of arts ; Ron Mueck à la Fondation Cartier pour l’art contemporain de Paris ;
En 2015, L’Hyperréalisme soviétique, à la galerie Tretiakov de Moscou ; L’Hyperréalisme américain, au musée d’Ixelles ; Richard Estes, Peindre New York au Museum of Arts and Design de New York. En 2016, Sculpture hyper-réaliste, 1973-2016, au Musée des Beaux-Arts de Bilbao ; Photoréalisme : 50 ans de peinture hyperréaliste encore au Musée d’Ixelles ; Duane Hanson au Nouveau Musée National de Monaco.
Certaines galeries défendent particulièrement l’art hyperréaliste aujourd’hui : Bernarducci – Meisel à New York ou Plus One à Londres.
Une exposition, un catalogue
Si on essaie de suivre l’évolution de l’art hyperréaliste depuis plus de 50 ans, on s’aperçoit vite que le mode de présentation de la réalité poussé à son maximum d’intensité varie de génération en génération, et que donc il y a bien plusieurs manières d’être neutre, d’être objectif, d’être un miroir non déformant.
Comme si l’histoire générait sa propre grammaire pour dire les choses, et les rendre visibles. C’est sans doute une limite au projet hyperréaliste que d’avoir ainsi sa propre chronologie qu’on imaginait ce rapport intime à l’univers du visible universel et intemporel.
La lumière évolue inévitablement, et la manière de la transposer également. Nous formons le voeu que cette exposition nous aidera à y voir plus clair ! Incidemment, une question surgit : photographier une oeuvre hyperréaliste, est-ce la détruire ?
Que reste-t-il en effet dans l’ouvrage de la transgression du réel par la matière picturale ? Comment un simple document d’information pourrait ressembler à l’oeuvre alors qu’il en est le déni ?
Un catalogue d’exposition atteint difficilement son sujet, puisqu’en photographiant une peinture ou une sculpture, on réfute l’oeuvre hyperréaliste en tant que telle. Quel témoin ne ment pas ? Aussi devons-nous envisager des solutions qui accentueront la finesse de reproduction.
Force est de constater que l’hyperréalisme a perduré, s’est enrichi de nouvelles oeuvres, s’est diversifié, s’est même universalisé, à la faveur d’une mondialisation du marché de l’art, d’un accès à l’information toujours plus rapide et complet et d’un usage généralisé des outils informatiques.
Ce mouvement, qui fut un instant historiquement localisé, est aujourd’hui, à travers ses successeurs, déclarés tels ou non, un genre artistique à part entière qui s’épanouit partout et gagne chaque jour de nouveaux amateurs.
Christian Arthaud
After twelve years working in the museums of Nice and twenty-one years as an art logistician, he set up his own business to organize special exhibitions, which he curates alone or in collaboration with others.Other areas of interest: contemporary poetry, classical Chinese poetry.
HYPERREALISM
A WORDWIDE MOVEMENT
Ethics and aesthetics of a precision art
Photorealism, whose dazzling success in the early 1970s made this way of making reality the primary origin and ultimate goal of a work of art universally known, has since been given a contrasting treatment under the general term of hyperrealism, which is both neglected by certain art historians and admired by a public of amateurs who are sensitive to this exaggerated vision of reality.
In any case, everyone thinks they know this artistic movement, although they cannot always name an artist, nor know how it spread or exactly who it influenced. We readily acknowledge its major historical importance, but we would be hard pressed to know what has happened to it today.
This is why we felt that a large-scale exhibition was necessary, both because of its international and intergenerational character and because of the intrinsic quality of the works it presents.
Our era is undoubtedly more saturated than ever with images and commentaries; so an exhibition of this kind should be considered for its capacity to refresh our eyes, to detoxify our sight, assuring us of the infinite pleasure provided by the ten thousand objects that surround us and nourish our imaginations.
Birth of hyperreality
Hyperrealism was a significant event in the history of art when, in the late 1960s, spectacular paintings were exhibited in the United States that reproduced scenes of everyday life with an attention to detail, an aloof objectivity and a colourful intensity that made them look like photographs.
A new artistic code was born, outrageously abandoning expressionist practices of all kinds. Two exhibitions in the USA, « Realism Now » in 1968 at the Vassar College Art Gallery in Poughkeepsie and « Sharp Focus Realism » in 1972 at the Sydney Janis Gallery in New York, announced, without creating the term, a genre that would later be grouped under the names « Hyperrealism » or « Photo-Realism ».
This movement around a new painting in which realism would be both the goal and the means, is exhibited without a manifesto, without a statement, only under the invocation of a pleasing call for air: illusionism.
Hyperrealism is in direct opposition to the Abstract Expressionism that dominated at the time, as well as to contemporary movements such as Minimalism, Conceptual Art, Land Art and Arte Povera, theatres of operation for a theoretical discourse in full effervescence. Hyperrealism is first and foremost the affirmation of a painter's work, accomplished by the best of craftsmen, patiently, humbly, and the result, all probity and scrupulousness, if it plays on our credulity, nevertheless deceives no one.
The aesthetics of advertising and magazines are a breeding ground for images that trigger the desire to confront them. The smoothness of the surface of things, the icy aspect of what seems immediately consumable, the contrasting effect of light on relief, the play of lines and curves, the immersion of manufactured materials in a natural environment or that of bodies in water… all these aspects come directly from the widespread use of photography.
The vacancy of figuration
A mechanism is at work. The hyperrealist artist reproduces a photogenic object taken out of its context as faithfully as his technical skill allows and makes an image as unobtrusive as possible, the object being to be looked at for itself and for its own pictorial value. But he does not simply make an observation; he reveals the nature of the object, deeply buried in our visual memory.
By remaining ostensibly at the stage of appearance, he can just as easily be accused of superficiality. The artist is himself a painting machine; he remains indifferent to the object of his painting and uses technical means to distance it. He will have set up a series of mechanical modes of reproduction that will allow him to capture reality in such a way as to magnify its omnipotence, without prohibiting the composition or ever making any theme sacred. The pictorial language thus produced seems the impassive result of a pre-established process, impartial to reality and intransigent to its author.
We can imagine that the choice of the subject imposed itself on the author, that the graphics of the chosen piece of reality will be decisive, that the visual quality of the motif will have been the main trigger for the realisation of the composition: to make a work with practically nothing, practically everything. A grass, a sky, a cloth, a glass, a lip, a fingernail, a letter, a tree leaf, a street, a site, a crowd, a forest, a library, a body, bodies…. We enter the material, we are inside.
The wonderment for the objects of our daily life, to which we generally do not pay attention on an aesthetic level, crystallises particularly on the machine which is the vector of modernity par excellence: the works take as a model, without any satirical or sociological commentary, the obvious signs of the modern world: the city, the factory, the plane, the car, the motorbike. The greed with which we look at these works projects us towards a world without history, without conflict, without misery, a summer of distractions and a perpetual vacation for the neurons: would Hyperrealism be a seaside art?
The crossing of appearances
The fake is authentically fake. Hyperrealism provides the immediate illusion of an absolute neutrality, absolutely claimed, to revive and rejuvenate the eye tarnished by the times, to bring it back to a cold perception of things.
No regard for feeling, nor for emotion, nor for interiority, nor for secrecy, nor for mystery. Everything is there in front of us, and will remain there. There is nothing else, neither behind nor in front. There has been nothing else before; there will be nothing else after. Time does not exist. Neither does space. Shapes and colours, materials and perspectives, framings are deliberately imposed on the retina.
How does a movement whose strength manifested itself in a flash at a time when society was the object of bitter criticism and art was struggling with the very notion of image or figure? Hyperrealism imposed the power of the photographic image; its artists remained more or less attached to the tried and tested, even academic, means that had been deviated from by the agreed imitation of external reality. The world of appearances is then renewed, the mirage is accomplished each moment before our eyes, regardless of the fact that it is a deception: the artist, deceived by his beliefs, will deceive the viewer in turn. Is he, however, a more perfidious swindler than the romantic, surrealist, metaphysical or realist painters?
Reality is a permanent theatre where the conjurers are perhaps not those we think. Here the image shows itself in absolute certainty, at the height of its inanity.
Neither authors of subliminal messages nor candid artisans, they try to demonstrate that art can propose a vision that remains in a kind of no man's land, without a designable project, without a proven purpose, leaving the viewer in a state of uncertainty, as he is in front of any reality. The world does not need our gaze to exist. Let us know this.
The hyper-realist movement repeats this in its own way, which can be chilling, as sentimentality is absent. How far can a gesture go that is not guided by any idea? Crossing reality will remain a beautiful chimera.
The American dream: conquering reality
Early Hyperrealism is clearly American; it reactivates the old attraction for faithful representations of the country, of nature as well as of artefacts, even to the point of trompe-l'oeil. It thus presupposes a kind of return to order, honouring the artist's skill and patience. It is as if the American nation were asking to be described in a literal way, in its dominating evidence and monumentality, both political and artistic.
The question is whether all this is part of its ubiquitous Entertainment or a gentle challenge to it. The artistic genre is, as we know, extremely demanding. As Bernard Lamarche-Vadel insisted, « the hyperrealist painter is the meticulous pantograph of a surface that he replicates. » The studio is the day and night residence of monstrously exemplary artists, who express themselves little, do not often give interviews, rarely write in the newspapers. They make, they produce slowly, and avoid inappropriate solicitations. They make no claim to genius. They do not cultivate an overinflated ego. In short, the society of the spectacle, paradoxically, does not find in their works the mercantile mirror that Pop Art held out to us.
The hyperrealist artist is a counter-hero, in a way: glorifying a technique that he masters to perfection, he finds himself downgraded on the grounds of interpretative inadequacy. By reducing the status of the artist to that of a craftsman, and by focusing on subjects that are often of great banality, hyperrealism could not fail to be rejected by the proponents of an art that must constantly renew the symbolic power of the artist over his or her contemporaries as an absolute demiurge, an art that cultivates the exceptional, calls for scandal, and summons us to question our inability to understand what we are.
Hyperrealism has therefore suffered from the false idea that it was of no philosophical interest, that it was nothing but vain and perfectly gratuitous virtuosity. The methodical exercise of painting and the obstinacy to render reality in its juice of the time isolated these artists, even if most of them achieved remarkable commercial success.
A strange scale of values
The hyperrealist artists, each according to his own path, voluntarily forced themselves to represent only one type of work according to their own methodology. This singularisation has become the signature of the genre, supported by the public's admiration for an extraordinary technicality, and renewed by works that are always astonishing and that magnify the notion of irreproachable resemblance without any feint. But it might have seemed that this fabulous virtuosity was only a rather primitive way of concealing the inanity of such work, however exhausting it might be.
The absence of justification, whether artistic, social or philosophical, led some to say that there was no future for these artists who indulged in the arbitrary choice of subjects and the childish pleasure of achieving the feat of painting better than anyone else. After the expected period of fascination with technique that drove away enlightened amateurs, it is notable that all over the world today the quality of so-called hyperrealistic works, thanks to new techniques and new generations of artists, is once again attracting attention, not without concern for a world that is dying before our eyes, but not without fervour for that gratuitous act that will no doubt be no stranger to our salvation: to face reality.
We are therefore enjoined to look for the deep meaning of a world observed coldly as the clinical report formulates it and without privileging one aspect or another: behind the colourful disguise of reality, what is hidden? Underneath our propensity to love the glittering appearance of what surrounds us, what do we want to hide? Where does our humanity lie?
If an aesthetic emotion is born, it will never border on sobbing but rather on the extra energy to go and see for oneself. The hyperrealist artist, by returning to easel painting, restores conventional techniques and the teaching of the masters. The most trivial subjects are given the greatest sophistication; such is the strange scale of values here.
Images that are more than life
Hyperrealism, with its concern to render exactly what is perceptible in the real world, whether through the use of photographs projected onto the canvas, through the process of painting with airbrushes, or nowadays through the contribution of digital technologies, first displays a technique, then salutes the silence of things.
At first glance, one thinks they are gigantic photographs. Then one understands that they are paintings. Then you ask yourself: why so much effort? There must be a reason for developing such a large amount of work. The banality of life, the accessories of our way of life, the streets, the shop fronts, are all pretexts for painting with the most impassive of realisms, as if reality (a reality that has been remade here) were the only thing that should shock us.
The trap of illusion leaves us with a bitter taste, because we are beset by the idea that we take the images of reality for reality itself.
Showing must be enough to say everything. The quality of the work must shine through in the highest resolution of the image. Textures, lines and shadows seem to be illuminated by the artist's own work and sharper than in the photograph that served as a starting point or model. What you see in front of a hyper-realistic work, you would not see anywhere else, not even in reality. In short, truth to the power of ten!
Hyperrealism seems to be a frantic quest for appearance, the aim of which is to repress a deep-seated anguish: where does the truth lie? The hyperrealist artist presents himself as a magician of reality, making counterfeits and performing sleight of hand for our sole pleasure. He paints a reality which then becomes a fiction.
The magic of light
The skill of hyperrealist artists is a high point in the history of art, but it can also be a pitfall. With the facture taking precedence over all other considerations, the risk lies in complacency in the execution of the feat and the self-satisfaction that follows.
The artist is then hypnotised by his own capacity to render reality and can sink into anecdotal figuration and self-sufficient imagery. A new world then opens up, one of magic and illusionism and no longer one of extreme realism pushed to the point of meaninglessness, rigorous in its own way.
Is reality not enough for you? Perhaps it is not human enough? So hyperrealist art is essentially about blindness. Producing unique pieces that are copies of photographs is an anti-artistic act that should make us question the reproducibility of images as well as the singular quality of a work of art. Is duplicating something that has already existed in the common visual field creating? Isn't creating a totally imaginative personal work copying a pre-existing state of mind? A trompe-l'oeil is not neutral.
What about the credibility of the image? Why double the reality of works in its image? What do I recognise in a hyper-realistic painting? In fact, nothing, since I am seeing for the first time. The work sends me back to the need to devalue myself, without which conceptual elaborations parasitize my sight and direct my thoughts.
It’s the real thing that has sex appeal
Hyperrealism has appropriated certain codes of the advertising image, its pragmatism to sell, the accuracy of its purpose; it has removed the consumerist aspect, the commercial circumstance to let the naked beauty of things appear. Yes, it is reality that has sex appeal, and even more so this masterful way of bringing it to light.
A hyperrealist painting makes us want to touch it; it gives rise to visual desire. It commits us to living with reality in a new relational mode. This zero level of interpretation carries with it the ambition of a total clairvoyance and a liberation of our perceptive capacities.
Following the example of a consumer society that wallows in generalized seduction, the hyperrealist theme enlists the services of a certain hygiene of sight: brilliance, cleanliness, sharpness, frankness, clarity, purity… everything seems to come from a display that is likely to capture our interest, everything seems to be exposed for sale.
But what are the objects the passive promoters of: an immeasurable void, a dead thought? No air, no mediating space, no breath. The image is in a vacuum. It is a mass in the mind of the beholder. He cannot detach himself from it.
The attention, although maximum, turns us into voyeurs who no longer know what to look at. The indiscretion of objects reassures us that even in the void there is still something. In what way does painting surpass photography? By indefinitely fabricating the truth? Here realism emanates from a concrete subject that is pressed against our retina, and its appearance will always be the best asset of an art that seems to put things in their place, namely the first.
The current state of hyperrealism
For the past fifty years, the popularity of the art form has not waned: the public has been getting younger and younger from generation to generation, and has grown to the point where it has fed a number of websites selling artworks on the Internet. This reception, which can be described as triumphal, should be seen in the light of the indifference of many art critics.
It is true that the major museums have all proposed, sooner or later, an exhibition on the hyperrealist movement in its historical, initial character, but none has ventured to highlight the hyperrealist production in its full actuality, so much so that its supposed conceptual weakness poses a problem for the curators. Except that important exhibitions have shown a renewed interest in Hyperrealism in the last four years:
In 2013, Hiperrealismo, 1967-2012, at the Museo Thyssen Bornemisza in Madrid;
Photorealism revisited, at the Oklahoma city Museum of arts; Ron Mueck at the Fondation Cartier pour l'art contemporain in Paris ;
In 2015, Soviet Hyperrealism, at the Tretiakov Gallery in Moscow; American Hyperrealism, at the Musée d'Ixelles; Richard Estes, Painting New York at the Museum of Arts and Design in New York. In 2016, Hyper-realist Sculpture, 1973-2016, at the Museum of Fine Arts in Bilbao; Photorealism: 50 Years of Hyper-realist Painting again at the Musée d'Ixelles; Duane Hanson at the New National Museum in Monaco.
Some galleries particularly defend hyper-realist art today: Bernarducci – Meisel in New York or Plus One in London.
An exhibition, a catalogue
If we try to follow the evolution of hyper-realist art for more than 50 years, we quickly realise that the mode of presenting reality pushed to its maximum intensity varies from generation to generation, and that there are therefore several ways of being neutral, of being objective, of being a non-distorting mirror.
As if history generated its own grammar for saying things and making them visible. It is undoubtedly a limit to the hyperrealist project to have its own chronology that we imagined this intimate relationship to the universe of the universal and timeless visible.
Light inevitably evolves, and so does the way it is transposed. We hope that this exhibition will help us to see this more clearly! Incidentally, a question arises: does photographing a hyper-realist work destroy it?
What remains in the work of the transgression of reality by the pictorial material? How can a simple information document resemble the work when it is its denial?
An exhibition catalogue hardly reaches its subject, since by photographing a painting or a sculpture, one refutes the hyperrealist work as such. What witness does not lie? We must therefore consider solutions that will accentuate the fineness of the reproduction.
It is clear that hyperrealism has endured, has been enriched by new works, has diversified, and has even become universalized, thanks to the globalization of the art market, to ever faster and more complete access to information, and to the widespread use of computer tools.
This movement, which was for a moment historically localised, is today, through its successors, whether declared as such or not, an artistic genre in its own right which flourishes everywhere and gains new fans every day.